تصویر: بشکریہ Naturhistorisches میوزیم

آرٹ کی تاریخ کا مجسمہ، یہ چھوٹا سا مجسمہ جس کی اونچائی صرف چار انچ سے زیادہ ہے 1908 میں آسٹریا میں دریافت ہوئی تھی۔ کوئی نہیں جانتا کہ اس نے کیا کام کیا، لیکن اندازہ لگانے میں زرخیزی کی دیوی سے لے کر مشت زنی کی مدد تک شامل ہے۔ کچھ اسکالرز کا خیال ہے کہ یہ ایک عورت کی طرف سے بنائی گئی سیلف پورٹریٹ ہو سکتی ہے۔ قدیم پتھر کے زمانے سے ملنے والی ایسی بہت سی اشیاء میں یہ سب سے مشہور ہے۔

تصویر: بشکریہ CC/Wiki Media/Philip Pikart

یہ پورٹریٹ نسائی خوبصورتی کی علامت رہا ہے جب سے یہ پہلی بار 1912 میں قدیم مصری تاریخ کے سب سے متنازعہ فرعون کی طرف سے تعمیر کردہ دار الحکومت امرنا کے کھنڈرات میں دریافت کیا گیا تھا: اخیناتن۔ اس کی ملکہ، نیفرٹیٹی کی زندگی ایک معمہ ہے: یہ خیال کیا جاتا ہے کہ اس نے اکیناتن کی موت کے بعد کچھ عرصے کے لیے فرعون کے طور پر حکومت کی — یا اس سے زیادہ امکان ہے، بوائے کنگ توتنخمون کی شریک ریجنٹ کے طور پر۔ کچھ مصری ماہر کا خیال ہے کہ وہ اصل میں توت کی ماں تھی۔ یہ سٹوکو لیپت چونے کے پتھر کے مجسمے کے بارے میں خیال کیا جاتا ہے کہ یہ تھوتموس، اکیناتن کے درباری مجسمہ ساز کی دستکاری ہے۔

تصویر: بشکریہ CC/Wikimedia Commons/Maros M raz

1974 میں دریافت کیا گیا، ٹیراکوٹا آرمی مٹی کے مجسموں کا ایک بہت بڑا ذخیرہ ہے جسے چین کے پہلے شہنشاہ شی ہوانگ کے مقبرے کے قریب تین بڑے گڑھوں میں دفن کیا گیا تھا، جو 210 قبل مسیح میں انتقال کر گئے تھے۔ بعد کی زندگی میں اس کی حفاظت کے لیے، فوج کے کچھ اندازوں کے مطابق 670 گھوڑوں اور 130 رتھوں کے ساتھ 8,000 سے زیادہ فوجیوں کی تعداد کا خیال ہے۔ ہر ایک زندگی کا سائز ہے، حالانکہ اصل اونچائی فوجی عہدے کے مطابق مختلف ہوتی ہے۔

تصویر: بشکریہ CC/Wiki Media/LivioAndronico

شاید رومن قدیم کا سب سے مشہور مجسمہ،لاکوون اور اس کے بیٹےاصل میں 1506 میں روم میں دریافت کیا گیا تھا اور ویٹیکن منتقل کیا گیا تھا، جہاں یہ آج تک رہتا ہے۔ یہ ایک ٹروجن پادری کے افسانے پر مبنی ہے جسے اس کے بیٹوں کے ساتھ سمندری سانپوں کے ذریعے مارا گیا تھا جسے سمندری دیوتا پوسیڈن نے لاؤکون کی ٹروجن ہارس کی چال کو بے نقاب کرنے کی کوشش کے بدلے میں بھیجا تھا۔ اصل میں شہنشاہ ٹائٹس کے محل میں نصب کیا گیا، یہ زندگی کے سائز کی علامتی گروہ بندی، جو جزیرہ روڈس کے یونانی مجسمہ سازوں کی تینوں سے منسوب ہے، انسانی مصائب کے مطالعہ کے طور پر بے مثال ہے۔

تصویر: بشکریہ CC/Wikimedia/Livioandronico2013

تمام آرٹ کی تاریخ میں سب سے مشہور کاموں میں سے ایک، مائیکل اینجلو کے ڈیوڈ کی ابتدا فلورنس کے عظیم کیتھیڈرل، ڈوومو کے بٹریس کو سجانے کے ایک بڑے پروجیکٹ سے ہوئی، جس میں پرانے عہد نامے سے لی گئی شخصیات کے ایک گروپ کے ساتھ۔ دیڈیوڈایک تھا، اور اصل میں 1464 میں Agostino di Duccio نے شروع کیا تھا۔ اگلے دو سالوں میں، اگوسٹینو 1466 میں رکنے سے پہلے کیرارا کی مشہور کان سے تراشے گئے سنگ مرمر کے بڑے بلاک کا کچھ حصہ نکالنے میں کامیاب ہو گیا۔ اس پر مختصر طور پر کام کیا. سنگ مرمر اگلے 25 سالوں تک اچھوت رہا، یہاں تک کہ مائیکل اینجیلو نے 1501 میں اسے دوبارہ تراشنا شروع کیا۔ اس وقت وہ 26 سال کا تھا۔ جب ختم ہو گیا، ڈیوڈ کا وزن چھ ٹن تھا، یعنی اسے کیتھیڈرل کی چھت پر نہیں لہرایا جا سکتا تھا۔ اس کے بجائے، اسے فلورنس کے ٹاؤن ہال، Palazzo Vecchio کے داخلی دروازے کے بالکل باہر نمائش کے لیے رکھا گیا تھا۔ یہ اعداد و شمار، اعلی نشاۃ ثانیہ کے انداز کی خالص ترین کشیدوں میں سے ایک ہے، جسے فلورنٹائن کے عوام نے فوری طور پر اس کے خلاف صف آراء طاقتوں کے خلاف شہری ریاست کی اپنی مزاحمت کی علامت کے طور پر قبول کر لیا۔ 1873 میں،ڈیوڈاکیڈمیا گیلری میں منتقل کیا گیا تھا، اور اس کی اصل جگہ پر ایک نقل نصب کی گئی تھی۔

تصویر: بشکریہ CC/Wiki Media/Alvesgaspar

اعلی رومن باروک طرز کے ایک موجد کے طور پر تسلیم کیا جاتا ہے، Gian Lorenzo Bernini نے سانتا ماریا ڈیلا وٹوریہ کے چرچ میں ایک چیپل کے لیے یہ شاہکار تخلیق کیا۔ Baroque انسداد اصلاح سے جڑا ہوا تھا جس کے ذریعے کیتھولک چرچ نے 17 ویں صدی کے یورپ میں پروٹسٹنٹ ازم کی لہر کو روکنے کی کوشش کی۔ Bernini's جیسے فن پارے پاپال کے عقیدے کی تصدیق کرنے کے لیے پروگرام کا حصہ تھے، یہاں برنینی کے ذہین نے ڈرامائی داستانوں کے ساتھ مذہبی مناظر کے لیے اچھی طرح سے کام کیا۔ایکسٹیسییہ ایک معاملہ ہے: اس کا موضوع — ایویلا کی سینٹ ٹریسا، ایک ہسپانوی کارمیلائٹ راہبہ اور صوفیانہ جس نے ایک فرشتے کے ساتھ اپنی ملاقات کے بارے میں لکھا — کو اس طرح دکھایا گیا ہے جیسے فرشتہ اپنے دل میں تیر ڈالنے والا ہے۔ایکسٹیسیکی شہوانی، شہوت انگیز آوازیں غیر واضح ہیں، سب سے زیادہ واضح طور پر راہبہ کے orgasmic اظہار میں اور دونوں اعداد و شمار کو لپیٹنے والے کپڑے کے مرجھانے میں۔ ایک فنکار کے طور پر ایک معمار، برنی نے چیپل کی ترتیب کو ماربل، سٹکو اور پینٹ میں بھی ڈیزائن کیا۔

تصویر: بشکریہ میٹروپولیٹن میوزیم آف آرٹ/ فلیچر فنڈ

اطالوی مصور انتونیو کینووا (1757–1822) کو 18ویں صدی کا سب سے بڑا مجسمہ ساز سمجھا جاتا ہے۔ اس کے کام نے نو کلاسیکی طرز کا مظہر بنایا، جیسا کہ آپ یونانی افسانوی ہیرو پرسیئس کے سنگ مرمر میں اس کی پیش کش میں دیکھ سکتے ہیں۔ کینووا نے اصل میں اس ٹکڑے کے دو ورژن بنائے: ایک روم میں ویٹیکن میں رہتا ہے، جبکہ دوسرا میٹروپولیٹن میوزیم آف آرٹ کے یورپی مجسمہ کی عدالت میں کھڑا ہے۔

تصویر: میٹروپولیٹن میوزیم آف آرٹ

جب کہ امپریشنسٹ ماسٹر ایڈگر ڈیگاس سب سے زیادہ ایک مصور کے طور پر جانا جاتا ہے، اس نے مجسمہ سازی میں بھی کام کیا، جو اس کی تخلیق کی سب سے بنیادی کوشش تھی۔ Degas فیشنچھوٹی چودہ سالہ ڈانسرموم سے باہر (جس سے بعد میں کانسی کی کاپیاں 1917 میں اس کی موت کے بعد ڈالی گئیں)، لیکن حقیقت یہ ہے کہ ڈیگاس نے اپنے نامی مضمون کو ایک حقیقی بیلے کاسٹیوم (بوڈیس، توتو اور چپل کے ساتھ مکمل) اور اصلی بالوں کی وِگ میں ایک سنسنی پیدا کردی جبرقاصہپیرس میں 1881 کی چھٹی امپریشنسٹ نمائش میں ڈیبیو کیا۔ ڈیگاس نے لڑکی کی باقی خصوصیات سے ملنے کے لیے اپنے بیشتر زیورات کو موم میں ڈھانپنے کا انتخاب کیا، لیکن اس نے توتو کو رکھا، ساتھ ہی اس کے بالوں کی پشت پر ایک ربن باندھا، جیسا کہ وہ تھے، اس شکل کو پایا جانے والی چیز کی پہلی مثالوں میں سے ایک بنا دیا۔ فنرقاصہوہ واحد مجسمہ تھا جس کی نمائش ڈیگاس نے اپنی زندگی میں کی تھی۔ اس کی موت کے بعد، اس کے اسٹوڈیو میں تقریباً 156 مزید مثالیں پڑی ہوئی پائی گئیں۔

تصویر: بشکریہ فلاڈیلفیا میوزیم آف آرٹ

جب کہ زیادہ تر لوگ عظیم فرانسیسی مجسمہ ساز آگسٹ روڈن کو جوڑتے ہیں۔مفکربرطانیہ اور فرانس کے درمیان سو سالہ جنگ (1337–1453) کے دوران ایک واقعے کی یاد میں یہ جوڑا مجسمہ سازی کی تاریخ کے لیے زیادہ اہم ہے۔ کیلیس شہر میں ایک پارک کے لیے کمیشن بنایا گیا (جہاں 1346 میں انگریزوں نے ایک سال کا محاصرہ اس وقت اٹھایا جب چھ قصبہ کے بزرگوں نے آبادی کو بچانے کے بدلے خود کو پھانسی کے لیے پیش کیا)برگرزاس وقت یادگاروں کی مخصوص شکل کو چھوڑ دیا: اعداد و شمار کو الگ تھلگ یا ایک لمبے پیڈسٹل کے اوپر ایک اہرام میں ڈھیر کرنے کی بجائے، روڈن نے اپنے لائف سائز کے مضامین کو براہ راست زمین پر جمع کیا، ناظرین کے برابر۔ حقیقت پسندی کی طرف یہ بنیاد پرستانہ اقدام عام طور پر اس طرح کے بیرونی کاموں کے بہادرانہ سلوک کے ساتھ ٹوٹ گیا۔ کے ساتھبرگرز، روڈن نے جدید مجسمہ سازی کی طرف پہلا قدم اٹھایا۔

تصویر: بشکریہ CC/Flickr/Wally Gobetz

1912 میں، پکاسو نے گتے کے ایک ٹکڑے کا میکویٹ بنایا جس کا 20ویں صدی کے فن پر بڑا اثر پڑے گا۔ نیز MoMA کے مجموعہ میں، اس نے ایک گٹار کو دکھایا، ایک ایسا موضوع جسے پکاسو نے اکثر پینٹنگ اور کولیج میں تلاش کیا، اور بہت سے معاملات میں،گٹارکولاج کی کٹ اور پیسٹ کی تکنیک کو دو جہتوں سے تین میں منتقل کیا۔ اس نے کیوبزم کے لیے بھی ایسا ہی کیا، گہرائی اور حجم دونوں کے ساتھ کثیر جہتی شکل بنانے کے لیے فلیٹ شکلیں جمع کر کے۔ پکاسو کی اختراع ایک ٹھوس بڑے پیمانے پر مجسمے کی روایتی نقش و نگار اور ماڈلنگ سے بچنا تھی۔ اس کے بجائے،گٹارایک ڈھانچے کی طرح ایک دوسرے کے ساتھ جڑا ہوا تھا۔ یہ خیال روسی تعمیری ازم سے لے کر Minimalism تک اور اس سے آگے بھی گونجے گا۔ بنانے کے دو سال بعدگٹارگتے میں، پکاسو نے یہ ورژن کٹے ہوئے ٹن میں بنایا

تصویر: میٹروپولیٹن میوزیم آف آرٹ

اس کے بنیاد پرست آغاز سے لے کر اپنے آخری فاشسٹ اوتار تک، اطالوی فیوچرزم نے دنیا کو چونکا دیا، لیکن کسی ایک کام نے اس مجسمہ سے زیادہ اس تحریک کے سراسر فریب کی مثال نہیں دی جس میں اس کی ایک سرکردہ روشنی: امبرٹو بوکیونی۔ ایک پینٹر کے طور پر شروعات کرتے ہوئے، بوکیونی نے 1913 کے پیرس کے سفر کے بعد تین جہتوں میں کام کرنے کا رخ کیا جس میں اس نے اس دور کے کئی اونٹ گارڈے مجسمہ سازوں کے اسٹوڈیوز کا دورہ کیا، جیسے کہ کانسٹینٹن برانکوسی، ریمنڈ ڈوچیمپ-وِلن اور الیگزینڈر آرچیپینکو۔ Boccioni نے اپنے خیالات کو اس متحرک شاہکار میں ہم آہنگ کیا، جس میں حرکت کے "مصنوعی تسلسل" میں ایک سٹرائیڈنگ شخصیت کو دکھایا گیا ہے جیسا کہ Boccioni نے اسے بیان کیا۔ یہ ٹکڑا اصل میں پلاسٹر میں بنایا گیا تھا اور 1931 تک اس کے مانوس کانسی کے ورژن میں نہیں ڈالا گیا تھا، 1916 میں پہلی جنگ عظیم کے دوران اطالوی آرٹلری رجمنٹ کے رکن کے طور پر فنکار کی موت کے بعد۔

تصویر: بشکریہ CC/Flickr/Steve Guttman NYC

رومانیہ میں پیدا ہوئے، Brancusi 20ویں صدی کے اوائل میں جدیدیت کے سب سے اہم مجسمہ سازوں میں سے ایک تھے — اور درحقیقت، مجسمہ سازی کی پوری تاریخ میں سب سے اہم شخصیات میں سے ایک تھے۔ ایک قسم کا پروٹو minimalist، Brancusi نے فطرت سے فارم لیا اور انہیں تجریدی نمائندگیوں میں ہموار کیا۔ اس کا انداز اپنے وطن کے لوک فن سے متاثر تھا، جس میں اکثر متحرک ہندسی نمونے اور اسٹائلائزڈ شکلیں دکھائی دیتی تھیں۔ اس نے آبجیکٹ اور بنیاد کے درمیان بھی کوئی فرق نہیں کیا، بعض صورتوں میں ان کا علاج کرتے ہوئے، قابل تبادلہ اجزاء کے طور پر- ایک ایسا نقطہ نظر جو مجسمہ سازی کی روایات کے ساتھ ایک اہم وقفے کی نمائندگی کرتا ہے۔ یہ مشہور ٹکڑا اس کے ماڈل اور پریمی، مارگٹ پوگنی کا ایک پورٹریٹ ہے، جو ہنگری کے ایک آرٹ طالب علم ہے جس سے اس کی ملاقات 1910 میں پیرس میں ہوئی تھی۔ پہلی تکرار سنگ مرمر میں تراشی گئی تھی، اس کے بعد پلاسٹر کی کاپی تھی جس سے یہ کانسی بنایا گیا تھا۔ خود پلاسٹر کی نمائش نیویارک میں 1913 کے افسانوی آرمری شو میں کی گئی تھی، جہاں ناقدین نے اس کا مذاق اڑایا تھا اور اس کا مذاق اڑایا تھا۔ لیکن یہ شو میں سب سے زیادہ دوبارہ تیار ہونے والا ٹکڑا بھی تھا۔ Brancusi کے مختلف ورژن پر کام کیاMlle Poganyکچھ 20 سال کے لئے.

تصویر: بشکریہ میوزیم آف ماڈرن آرٹ

سائیکل کا پہیہاسے Duchamp کے انقلابی ریڈی میڈ میں سے پہلا سمجھا جاتا ہے۔ تاہم، جب اس نے اپنے پیرس اسٹوڈیو میں یہ ٹکڑا مکمل کیا، تو اسے واقعی کوئی اندازہ نہیں تھا کہ اسے کیا کہا جائے۔ "میرے پاس سائیکل کے پہیے کو کچن کے اسٹول پر باندھنے اور اسے مڑتے ہوئے دیکھنے کا خوش کن خیال تھا،" ڈوچیمپ بعد میں کہے گا۔ اس نے 1915 کا نیویارک کا دورہ کیا، اور شہر کے فیکٹری سے تیار کردہ سامان کی وسیع پیداوار کو دیکھا، جس سے Duchamp کے لیے ریڈی میڈ اصطلاح سامنے آئی۔ اس سے بھی اہم بات یہ ہے کہ اس نے یہ دیکھنا شروع کیا کہ صنعتی دور میں روایتی، دستکاری کے انداز میں آرٹ بنانا بے معنی لگتا ہے۔ پریشان کیوں، انہوں نے کہا، جب وسیع پیمانے پر دستیاب تیار شدہ اشیاء کام کر سکتی ہیں۔ Duchamp کے لیے، آرٹ ورک کے پیچھے کا خیال اس سے زیادہ اہم تھا کہ اسے کیسے بنایا گیا۔ یہ تصور - شاید تصوراتی فن کی پہلی حقیقی مثال - آگے بڑھتے ہوئے آرٹ کی تاریخ کو بالکل بدل دے گا۔ ایک عام گھریلو چیز کی طرح، تاہم، اصلسائیکل کا پہیہزندہ نہیں رہا: یہ ورژن دراصل 1951 کی ایک نقل ہے۔

تصویر: وٹنی میوزیم آف امریکن آرٹ، © 2019 کالڈر فاؤنڈیشن، نیویارک/آرٹس رائٹس سوسائٹی (ARS)، نیویارک

وٹنی میوزیم کے مستقل مجموعہ کا ایک پیارا فکسچر،کیلڈر کا سرکسالیگزینڈر کالڈر (1898-1976) نے ایک ایسے فنکار کے طور پر جو 20ویں مجسمہ سازی کی شکل دینے میں مدد کی تھی، چنچل جوہر کو کشادہ کرتا ہے۔سرکس، جو پیرس میں مصور کے زمانے میں تخلیق کیا گیا تھا، اس کے لٹکائے ہوئے "موبائل" سے کم تجریدی تھا، لیکن اس کے اپنے طریقے سے، یہ بالکل متحرک تھا: بنیادی طور پر تار اور لکڑی سے بنا،سرکساصلاحی پرفارمنس کے لیے مرکز کے طور پر کام کیا، جس میں کیلڈر مختلف شخصیات کے گرد گھومتا ہے جس میں کنٹرشنسٹ، تلوار نگلنے والے، شیر ٹامر وغیرہ کو دکھایا جاتا ہے، جیسے خدا کی طرح رنگ ماسٹر۔

تصویر: بشکریہ جے پال گیٹی میوزیم

پینٹر اور ٹیپسٹری ڈیزائنر کے ساتھ ساتھ ایک مجسمہ ساز کے طور پر، فرانسیسی آرٹسٹ ارسٹائڈ میلول (1861–1944) کو جدید نو کلاسیکی ماہر کے طور پر بہترین طور پر بیان کیا جا سکتا ہے جس نے روایتی گریکو-رومن مجسمے پر 20ویں صدی کے اسپن کو ہموار کیا۔ اسے ایک بنیاد پرست قدامت پسند کے طور پر بھی بیان کیا جا سکتا ہے، حالانکہ یہ یاد رکھنا چاہیے کہ پکاسو جیسے avant-garde کے ہم عصروں نے بھی پہلی جنگ عظیم کے بعد نو کلاسیکی طرز کی موافقت میں کام پیش کیے تھے۔ میلول کا موضوع خواتین کی عریاں تھی، اورL'Air، اس نے اپنے موضوع کے مادی مادیت، اور جس طرح سے وہ خلا میں تیرتی ہوئی نظر آتی ہے کے درمیان ایک تضاد پیدا کر دیا ہے — توازن، جیسا کہ یہ تھا، مضحکہ خیز جسمانیت کے ساتھ مبہم موجودگی۔

تصویر: بشکریہ CC/Flickr/C-Monster

ایک جاپانی فنکار جو ایک سے زیادہ میڈیم میں کام کرتی ہے، کساما 1957 میں نیویارک آئی تھی اور 1972 میں جاپان واپس آئی تھی۔ عبوری طور پر، اس نے اپنے آپ کو شہر کے مرکزی منظر نامے کی ایک بڑی شخصیت کے طور پر قائم کیا، جس کے فن نے پاپ آرٹ، مائنس ازم سمیت کئی بنیادوں کو چھو لیا۔ اور پرفارمنس آرٹ۔ ایک خاتون فنکار کے طور پر جو اکثر خواتین کی جنسیت کا حوالہ دیتی ہیں، وہ فیمنسٹ آرٹ کی پیش خیمہ بھی تھیں۔ Kusama کے کام کو اکثر ہیلوسینوجنک نمونوں اور شکلوں کی تکرار کی خصوصیت دی جاتی ہے، جو کچھ نفسیاتی حالات سے جڑی ہوئی ہے — فریب نظر، OCD — وہ بچپن سے ہی سہی ہے۔ کوسوما کے فن اور زندگی کے ان تمام پہلوؤں کی عکاسی اس کام میں ہوتی ہے، جس میں ایک عام، upholstered آسان کرسی کو سلے ہوئے بھرے کپڑے سے بنی ہوئی phallic protuberances کے طاعون جیسے پھیلنے سے بے خوفی کے ساتھ ضم کیا جاتا ہے۔

تصویر: وٹنی میوزیم آف امریکن آرٹ، نیویارک، © 2019 اسٹیٹ آف ماریسول/ البرائٹ ناکس آرٹ گیلری/ آرٹسٹ رائٹس سوسائٹی (اے آر ایس)، نیویارک

صرف اپنے پہلے نام سے جانا جاتا ہے، ماریسول ایسکوبار (1930–2016) پیرس میں وینزویلا کے والدین میں پیدا ہوا تھا۔ ایک فنکار کے طور پر، وہ پاپ آرٹ اور بعد میں اوپ آرٹ سے منسلک ہوگئیں، اگرچہ اسلوب کے لحاظ سے، وہ کسی بھی گروپ سے تعلق نہیں رکھتی تھیں۔ اس کے بجائے، اس نے علامتی ٹیبلوکس تیار کیا جس کا مطلب صنفی کردار، مشہور شخصیت اور دولت کے نسوانی طنز کے طور پر تھا۔ میںخواتین اور کتاوہ خواتین کے اعتراضات کو قبول کرتی ہے، اور جس طرح سے مرد کی طرف سے حقوق نسواں کے مسلط کردہ معیارات کو ان کے موافق ہونے پر مجبور کرنے کے لیے استعمال کیا جاتا ہے۔

تصویر: بشکریہ CC/Flickr/Rocor

بریلو باکس شاید 60 کی دہائی کے وسط میں وارہول کے مجسمہ سازی کے کاموں کی ایک سیریز کا سب سے زیادہ جانا جاتا ہے، جس نے پاپ کلچر کے بارے میں ان کی تحقیقات کو مؤثر طریقے سے تین جہتوں میں لے لیا۔ وارہول نے اپنے سٹوڈیو یعنی فیکٹری کو جو نام دیا تھا، اس کے مطابق آرٹسٹ نے ایک قسم کی اسمبلی لائن پر کام کرنے کے لیے بڑھئیوں کی خدمات حاصل کیں، جس میں مختلف مصنوعات کے لیے کارٹن کی شکل میں لکڑی کے ڈبوں کو ایک ساتھ کیل لگایا گیا، جس میں ہینز کیچپ، کیلوگ کے کارن فلیکس اور کیمبل کا سوپ شامل ہیں۔ بریلو صابن کے پیڈ۔ اس کے بعد اس نے سلک اسکرین میں پروڈکٹ کا نام اور لوگو شامل کرنے سے پہلے ہر باکس کو اصل (بریلو کے معاملے میں سفید) سے مماثل رنگ پینٹ کیا۔ ملٹی پلس میں بنائے گئے، بکسوں کو اکثر بڑے ڈھیروں میں دکھایا جاتا تھا، جس سے وہ جس بھی گیلری میں تھے مؤثر طریقے سے اسے گودام کے ایک اعلی ثقافتی فیکس میں تبدیل کر دیتے تھے۔ ان کی شکل اور سیریل پروڈکشن شاید اس وقت کے نوزائیدہ Minimalist سٹائل کی منظوری یا پیروڈی تھی۔ لیکن اصل نکتہبریلو باکسیہ ہے کہ حقیقی چیز سے اس کا قربت کس طرح فنکارانہ کنونشنز کو خراب کرتا ہے، اس کا مطلب یہ ہے کہ مصور کے اسٹوڈیو سے تیار کردہ سامان اور کام میں کوئی حقیقی فرق نہیں ہے۔

تصویر: بشکریہ CC/Flickr/Esther Westerveld

ڈونلڈ جڈ کا نام Minimal Art کا مترادف ہے، جو 60 کی دہائی کے وسط کی تحریک ہے جس نے جدیدیت کی عقلیت پسندی کو ننگی لوازم تک پہنچا دیا۔ جڈ کے لیے، مجسمہ سازی کا مطلب خلا میں کام کی ٹھوس موجودگی کو بیان کرنا ہے۔ اس خیال کو "مخصوص آبجیکٹ" کی اصطلاح کے ذریعے بیان کیا گیا تھا اور جب کہ دوسرے Minimalists نے اسے قبول کیا، Judd نے دلیل کے ساتھ اس خیال کو اپنا سب سے خالص اظہار باکس کو اپنی دستخطی شکل کے طور پر اپنایا۔ وارہول کی طرح، اس نے صنعتی من گھڑت سے مستعار لیے گئے مواد اور طریقوں کا استعمال کرتے ہوئے انہیں دہرانے والی اکائیوں کے طور پر تیار کیا۔ وارہول کے سوپ کین اور مارلینز کے برعکس، جڈ کا فن اپنے سے باہر کسی چیز کا حوالہ نہیں دیتا۔ اس کے "ڈھیر" ان کے سب سے مشہور ٹکڑوں میں سے ہیں۔ ہر ایک جستی شیٹ میٹل سے بنے یکساں طور پر اتلی خانوں کے ایک گروپ پر مشتمل ہوتا ہے، جو دیوار سے یکساں فاصلہ والے عناصر کا کالم بناتا ہے۔ لیکن جڈ، جس نے ایک پینٹر کے طور پر شروعات کی تھی، رنگ اور ساخت میں اتنی ہی دلچسپی رکھتا تھا جتنا کہ وہ فارم میں تھا، جیسا کہ یہاں ہر باکس کے سامنے والے چہرے پر سبز رنگ کے آٹو باڈی لاک کے ذریعے دیکھا گیا ہے۔ جوڈ کا رنگ اور مواد کا باہمی تعامل دیتا ہے۔بلا عنوان (اسٹیک)ایک تیز خوبصورتی جو اس کی تجریدی مطلقیت کو نرم کرتی ہے۔

تصویر: بشکریہ CC/Flickr/Rocor

بنگالیوں کی طرح، ہیس ایک خاتون فنکار تھی جس نے پوسٹ مینیملزم کو ایک دلیل سے فیمنسٹ پرزم کے ذریعے فلٹر کیا۔ ایک یہودی جو بچپن میں نازی جرمنی سے بھاگی تھی، اس نے نامیاتی شکلوں کی تلاش کی، صنعتی فائبر گلاس، لیٹیکس اور رسی کے ٹکڑے بنائے جو جلد یا گوشت، جنسی اعضاء اور جسم کے دیگر حصوں کو ابھارتے ہیں۔ اس کے پس منظر کو دیکھتے ہوئے، یہ اس طرح کے کاموں میں صدمے یا اضطراب کے زیر اثر تلاش کرنا پرکشش ہے۔

تصویر: بشکریہ میوزیم آف ماڈرن آرٹ

Judd اور Flavin کی پیروی کرتے ہوئے، فنکاروں کا ایک گروپ Minimalism کی کلین لائنوں کی جمالیات سے نکل گیا۔ اس پوسٹ مینیملسٹ نسل کے ایک حصے کے طور پر، رچرڈ سیرا نے مخصوص چیز کے تصور کو سٹیرائڈز پر ڈالا، اس کے پیمانے اور وزن کو بڑے پیمانے پر بڑھایا، اور قوّت ثقل کے قوانین کو اس خیال کے لیے لازمی بنایا۔ اس نے اسٹیل یا سیسہ کی پلیٹوں اور ٹن وزنی پائپوں کے متوازن توازن پیدا کیے، جس کا اثر کام کو خطرے کا احساس دلانے کا تھا۔ (دو مواقع پر، سیرا کے ٹکڑوں کو نصب کرنے والے رگرز اس وقت ہلاک یا معذور ہو گئے تھے جب کام حادثاتی طور پر گر گیا تھا۔) حالیہ دہائیوں میں، سیرا کے کام نے ایک گھماؤ والی اصلاح کو اپنایا ہے جس نے اسے بے حد مقبول بنا دیا ہے، لیکن ابتدائی دور میں، ون ٹن پروپ (ہاؤس) کی طرح کام کرتا ہے۔ آف کارڈز)، جس میں چار لیڈ پلیٹیں ایک ساتھ جھکی ہوئی ہیں، نے اپنے خدشات کو سفاکانہ راستبازی کے ساتھ بتایا۔

تصویر: بشکریہ CC/Wikimedia Commons/Soren.harward/Robert Smithson

1960 اور 1970 کی دہائیوں کے دوران عام انسداد ثقافتی رجحان کی پیروی کرتے ہوئے، فنکاروں نے گیلری کی دنیا کی کمرشلزم کے خلاف بغاوت شروع کر دی، جس میں زمین کے کام کی طرح آرٹ کی نئی شکلیں تیار ہوئیں۔ لینڈ آرٹ کے نام سے بھی جانا جاتا ہے، اس صنف کی سرکردہ شخصیت رابرٹ اسمتھسن (1938–1973) تھی، جس نے مائیکل ہیزر، والٹر ڈی ماریا اور جیمز ٹورل جیسے فنکاروں کے ساتھ مل کر مغربی ریاستہائے متحدہ کے صحراؤں میں یادگار کام تخلیق کرنے کے لیے مہم جوئی کی۔ ان کے ارد گرد کے ساتھ کنسرٹ میں کام کیا. یہ سائٹ کے ساتھ مخصوص نقطہ نظر، جیسا کہ اسے کہا جاتا ہے، اکثر زمین کی تزئین سے براہ راست لیا گیا مواد استعمال کیا جاتا ہے۔ ایسا ہی معاملہ سمتھسن کا ہے۔سرپل جیٹی، جو جھیل کے شمال مشرقی کنارے پر روزل پوائنٹ سے یوٹاہ کی عظیم سالٹ جھیل میں داخل ہوتا ہے۔ مٹی سے بنا، نمک کے کرسٹل اور بیسالٹ نکالا گیا،سرپل جیٹی کے اقدامات1,500 بائی 15 فٹ۔ یہ کئی دہائیوں تک جھیل کے نیچے ڈوبا رہا یہاں تک کہ 2000 کی دہائی کے اوائل میں خشک سالی اسے دوبارہ سطح پر لے آئی۔ 2017 میں،سرپل جیٹییوٹاہ کے سرکاری آرٹ ورک کا نام دیا گیا تھا.

تصویر: بشکریہ CC/Wikimedia Commons/FLICKR/Pierre Metivier

فرانسیسی نژاد مصور کا دستخطی کام،مکڑی1990 کی دہائی کے وسط میں تخلیق کیا گیا تھا جب بورژوا (1911-2010) اپنی اسی کی دہائی میں تھی۔ یہ مختلف پیمانے کے متعدد ورژنوں میں موجود ہے، بشمول کچھ جو یادگار ہیں۔مکڑیاس کا مطلب فنکار کی والدہ کو خراج تحسین پیش کرنے کے طور پر ہے، ایک ٹیپسٹری بحال کرنے والی (اس وجہ سے جالوں کے گھومنے کے لیے آرچنیڈ کے رجحان کی طرف اشارہ)۔

شٹر اسٹاک

1994 میں باوقار ٹرنر پرائز کے فاتح، انٹونی گورملے برطانیہ کے سب سے مشہور عصری مجسمہ سازوں میں سے ایک ہیں، لیکن وہ علامتی فن پر اپنے منفرد انداز کے لیے بھی دنیا بھر میں جانا جاتا ہے، جس میں پیمانے اور انداز میں وسیع تغیرات پر مبنی ہیں، زیادہ تر حصے کے لیے، اسی ٹیمپلیٹ پر: فنکار کے اپنے جسم کی ایک کاسٹ۔ یہ شمال مشرقی انگلینڈ کے شہر گیٹس ہیڈ کے قریب واقع پروں والی اس بہت بڑی یادگار کے بارے میں سچ ہے۔ ایک بڑی شاہراہ کے ساتھ بیٹھا،فرشتہاونچائی میں 66 فٹ تک بڑھتا ہے اور 177 فٹ چوڑائی پروں سے پروں تک پھیلا ہوا ہے۔ گورملے کے مطابق، اس کام کا مطلب برطانیہ کے صنعتی ماضی (یہ مجسمہ انگلینڈ کے کوئلے کے ملک میں واقع ہے، صنعتی انقلاب کا مرکز ہے) اور اس کے بعد کے صنعتی مستقبل کے درمیان ایک قسم کے علامتی نشان کے طور پر ہے۔

بشکریہ CC/Flickr/Richard Howe

شکاگو کے لوگ پیار سے "دی بین" کہلاتے ہیں اس کی جھکی ہوئی بیضوی شکل کے لیے،کلاؤڈ گیٹ, سیکنڈ سٹی کے ملینیم پارک کے لیے انیش کپور کے عوامی آرٹ کا مرکز، آرٹ ورک اور فن تعمیر دونوں ہیں، جو اتوار کے روز چہل قدمی کرنے والوں اور پارک میں آنے والے دیگر زائرین کے لیے انسٹاگرام کے لیے تیار آرک وے فراہم کرتا ہے۔ آئینہ دار اسٹیل سے بنا ہوا،کلاؤڈ گیٹکے تفریحی گھر کی عکاسی اور بڑے پیمانے پر اسے کپور کا سب سے مشہور ٹکڑا بناتا ہے۔

بشکریہ آرٹسٹ اور گرین نفتالی، نیویارک

ریچل ہیریسن کا کام ایک مکمل رسمیت کو یکجا کرتا ہے جس میں بظاہر تجریدی عناصر کو متعدد معنی کے ساتھ شامل کرنے کی مہارت ہے، بشمول سیاسی۔ وہ یادگاریت اور اس کے ساتھ جانے والے مردانہ استحقاق پر شدید سوال کرتی ہے۔ ہیریسن اپنے مجسموں کا زیادہ تر حصہ اسٹائروفوم کے بلاکس یا سلیبوں کو سیمنٹ اور پینٹری کے مجموعے میں ڈھانپنے سے پہلے ان کو سجا کر اور ترتیب دے کر تخلیق کرتی ہے۔ اوپر والی چیری کسی قسم کی پائی جانے والی چیز ہے، یا تو اکیلے یا دوسروں کے ساتھ مل کر۔ اس کی ایک عمدہ مثال ایک لمبا، پینٹ سے چھڑکنے والی شکل کے اوپر یہ پتلا ہے۔ ایک کیپ پہنے ہوئے، اور پیچھے کی طرف ابراہم لنکن کا ماسک، یہ کام تاریخ کے عظیم انسان کے نظریے کو بھیجتا ہے جس میں قدیم دنیا کے فاتح کو مسخرے کے رنگ کی چٹان پر اونچا کھڑا کیا گیا تھا۔.